«La música es un baile ritual con guitarras que danzan alrededor de percusiones africanas y del tándem base de la batería, acompañadas de destellos de saxofón y trompeta» - Alain Gerber.

¿Qué sería de una canción sin el ritmo de la batería, su bombo, sus platillos, sus cajas y sus tones?

Los que toman clases de percu o la interpretan marcan el tempo a los que tocan otros instrumentos, como la guitarra eléctrica o el bajo. El baterista es quien establece el son que los demás músicos deben seguir.

Pero, ¿de dónde vienen las baterías acústicas? ¿Cuál es la proveniencia de este instrumento? prueba a tomar clases de bateria para principiantes

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La batería: un origen multicultural

El primer instrumento utilizado en la data de la humanidad es, por supuesto, la voz, pero igual sabemos que la percusión llegó bastante pronto en la creación de la música. He aquí un pequeño repaso cronológico desde la prehistoria hasta el siglo XIX.

Los primeros vestigios de instrumentos de percusión

La percu tiene un origen multicultural que se remonta a muchos siglos atrás. Los primeros platos y tambores datan del siglo VII a. d. C. De hecho, estos instrumentos estaban retratados en esculturas y pinturas encontradas en tumbas tanto egipcias como romanas.

Juego de tambores aborígenes con cuero de piel de res
Guitarra, flauta, piano... Cada uno de ellos tiene su legado.

La palabra «tambor» también tiene un origen oriental (ya que deriva del persa tabῑr o del árabe ṭubūl), y el timbre de la caja se remonta a los tamboriles marroquís.

Encontramos indicios del uso de tambores en culturas antiguas de todo el mundo, lo que nos deja ver lo extenso que es el relato de los instrumentos de percusión.

Se han encontrado platillos en tumbas griegas. De hecho, por aquel entonces se pensaba que servían para alejar a los malos espíritus. Además, muchas pinturas y cuadros que datan de la misma época muestran cómo los platos se usaban como interpretación en banquetes y celebraciones.

¿No te parece apasionante el impacto cultural de la percu?

El uso de los instrumentos de percusión con fines militares

Más adelante, los tambores y los platillos empezaron a utilizarse con fines militares, como otros instrumentos: corno, sirena de bruma, trompetas, gaitas… El objetivo era comunicarse y enviar órdenes a los soldados de un lado al otro del campo de batalla, tal como asustar a los enemigos. Los otomanos son quienes introdujeron el uso de platillos para impresionar a las tropas enemigas.

Hoy en día todavía hay desfiles de fanfarrias militares. Esta forma de utilizar la percusión supuso la era de oro de la época napoleónica.

La llegada del estilo a Nueva Orleans

Mucho más adelante, a principios del siglo XIX, los esclavos negros de Estados Unidos se apropiaron de este instrumento. El movimiento principal tuvo lugar en Luisiana, cuando los militares franceses retomaron los barcos de vuelta a Francia y dejaron detrás sus instrumentos más voluminosos.

Poco a poco fueron gestándose las bass brands y el estilo de Nueva Orleans, ambos basados en la improvisación. En este estilo encontramos de igual manera el nacimiento del jazzy tal y como lo conocemos en la actualidad.

El double drumming también aparece en esta época: por motivos económicos, los platillos se unen al bombo de tal manera que un solo músico pudiese tocar ambos a la vez. Las influencias africanas del double drumming son palpables, aunque difíciles de trazar ya que se trasmitían principalmente de manera oral. Además, los esclavos no tenían derecho a tocar lo que querían cuando querían.

¿Cuáles dirías que son las canciones más emblemáticas de la percu?

La invención de la batería moderna en el siglo XX

A principios del siglo XX, las baterías que había todavía no se parecían mucho a las modernas que conocemos nosotros.

La invención del pedal para el bombo

Los grupos de música estaban formados por distintos percusionistas: uno se ocupaba del bombo, otro de la caja y otro de los platillos.

En 1909, William F. Ludwig inventó el pedal para el bombo (también conocido como «toe operated bass drum pedal»), que facilitó el uso de la batería y redujo el número de percusionistas necesarios para cada actuación. Fue un éxito inmediato y empezó a comercializarse a gran escala tan solo un año después de su creación.

5 redoblantes en fila tocando en una banda de guerra
El dominio de las baquetas era todo un arte militar.

En esta época, las pieles de los instrumentos que se usaban en las clases de bateria electrica bogota eran todavía de origen animal y no había ni un solo ton. El estilo musical se inspiraba directamente de los desfiles militares y la percu servía de apoyo a las orquestas de jazz.

La prohibición y el desarrollo del jazz

En la década de 1920, la prohibición hace que muchos gangsters ricos (sobre todo blancos) se interesen por las big bands. Los clubs de jazzistas van apareciendo y en ellos la gente se reúne para consumir bebidas alcohólicas (prohibidas en aquel entonces) y bailar al ritmo de una pieza improvisada de jazzeros.

El batería es el «guardián del tempo». Normalmente no cumple un papel protagonista y se limita a marcar el tempo con el bombo, que en muchas ocasiones acaba por sustituir al bajo.

El primer pedal charleston aparece por estas fechas, cuando también se unen a la percu los primeros tones, como las escobas, que se utilizan para limitar el ruido en los entornos cerrados. Al principio en el curso de bateria para niños, verás todas estas cosas básicas.

El periodo del swing

Los clubs de jazz se multiplican en la década de 1930. Cada vez aparecen más lugares para «desaparecer» de la crudeza del día a día, lo que permite a muchos negros americanos (sobre todo bateristas) hacerse un hueco en el panorama musical de la época.

Así va surgiendo el swing, una nota de silencio que da un ritmo ternario a los músicos populares contemporáneos.

Los tones afinables empiezan a utilizarse cada vez más y los tones bajos colocados en el suelo se van imponiendo. Así, con todos estos cambios y la llegada de los platillos splash, nace la batería moderna.

Los blancos empiezan a imitar a los negros y dan a conocer el jazzero y el swing en prestigiosas salas de concierto estadounidenses. Paralelamente, en Europa, se desarrolla el jazz manouche, también conocido como «gypsy jazzy» o «gypsy swing».  

La evolución de la batería desde 1940

En la década de 1940 se produce un gran cambio: los interpretes empiezan a crear melodías con el fin de que la gente las escuche, no solo que las baile.

El baterista, todo un solista con la llegada del bebop

El baterista se convierte en miembro solita, especialmente gracias a la llegada del bebop.

El bebop se caracteriza por utilizar un tempo rápido y armonías complejas. Kenny Clarke está considerado el inventor de este estilo musical. El baterista ve como su papel va ganando relevancia, ya que puede añadir «comentarios rítmicos» a las piezas.

Kenny Clark con su batería foto en blanco y negro
¿Te imaginas aprender a tocar la batería con Kenny Clark?

Las cajas van haciéndose cada vez más ligeras y los tones, más pequeños. El percusionista ahora es capaz de expresar toda su creatividad y plasmar toda su personalidad en los ritmos.

Los fabricantes de instrumentos de música empiezan a ofrecer baterías completas, muy parecidas a las que encontramos ahora.

El desarrollo del rock’n’roll y… de las pieles sintéticas

En los años 50, las pieles sintéticas reemplazan las pieles animales, lo que facilita la afinación de los toms a los percusionistas. Antes de 1957, todas las piezas grabadas con batería utilizaban pieles animales.

El problema era que se desafinaban rápidamente y su sonido también dependía del clima. En zonas cálidas y húmidas, la afinación era más baja y en las frías y secas, los baterías tenían que mojarlas para que diesen el sonido adecuado.

A pesar de los inconvenientes, las pieles animales daban un sonido único, sobre todo con las baquetas escoba, y tenían una mayor duración que las pieles sintéticas de plástico.

Los años 50 y 60 fueron testigos del nacimiento del rock’n’roll, que hicieron que la batería fuese un instrumento cada vez más popular entre las jóvenes generaciones (The Beatles, Led Zeppelin, The Who…).

La manera de tocar de los bateristas de rock se fue haciendo cada vez más potente, con lo que los fabricantes se vieron obligados a ofrecer instrumentos cada vez más fiables y sólidos. Los platillos se fueron haciendo más gruesos y pesados con el fin de responder a las necesidades de los nuevos interpretes.

Poco a poco, cada estilo fue definiendo su propio sonido de batería, aunque del mismo modo encontramos indicios de un sonido jazzístico en el rock de Elvis, sobre todo en sus primeras composiciones.

¿Conoces a los baterías más legendarios de la historia?

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La llegada del pedal doble en el hard-rocker y el metal

El estilo hard rocker empieza a surgir con grupos como AC/DC, Deep Purple o incluso Guns’n’Roses. Toda esta oleada de bandas nos trae diferentes estilos, que van desde el punk (Sex Pistols, The Clash…) al rocker progresivo (David Bowie, Genesis…), pasando por el metalero o el death.

El bombo doble o palanca doble apareció en los años 80 y hoy en día se sigue utilizando de manera sistemática en el metal.

En la actualidad no importa si la batería es nueva o no, lo más probable es que cada músico la haya personalizado por completo a su manera de tocar y a su estilo. Puede que tenga un charleston, un bombo, una caja. Puede que cambie el charleston por un tipo concreto de platillo. Puede que tenga toms y ni un solo platillo, que los elementos estén en un lado u otro (sobre todo dependiendo de si es diestro o zurdo), que toque cruzando los brazos, que se siente o prefiera estar de pie… ¡Las combinaciones son prácticamente infinitas!

Las baterías eléctrica también sustituyen algunas baterías, sobre todo en el mundo de la música electrónica. Para aprender a tocar la batería, si vives en un apartamento, te vendrá mejor hacerte con una batería electrónica (de marca Roland o Yamaha, por ejemplo). Créenos: tus vecinos te lo agradecerán.

Parche de redoblante marca Roland, y al lado un par de baquetas
Antes de comprar una batería, echa un vistazo a su versión eléctrica. ¡Tiene muchísimas ventajas!

Y para seguir aprendiendo sobre el mundo de este instrumento, ¿por qué no ves alguna película sobre la batería?

Definiciones «historia de la batería»

Aprender a tocar la batería, más allá de aprender a marcar el ritmo, supone también aprender vocabulario nuevo, sobre todo relacionado con el ámbito de la percusión.

¿Qué es un platillo splash?

El platillo splash se utiliza generalmente para dar pequeños toques a la melodía. Con un carácter corto y explosivo, se suelen usar al final de un break. Tienen un sonido intenso que no dura.

¿Qué es el charleston de una batería?

También denominado hi-hat, el charleston es un elemento más de la batería. Se trata de dos platillos juntos que van conectados a un pedal.

Hablemos un poco de sus partes

Al igual que con todo los demás, la percu a lo largo del tiempo ha venido teniendo una serie de modificaciones con cosas que se le quitan, se le ponen, accesorios, propuestas de diferentes interpretes, que la han llevado a la categoría de ser uno de los mas queridos del público, ben sea de las personas que desean un sonido pesado y enérgico, a quienes lo perciben como parte importante y fundamental de los ensambles musicales. Básicamente la idea siempre ha sido y será la misma, una serie de accesorios de los que el principal podría ser el tambor, aunque los platos, son fundamentales en la percu.

De no ser así por supuesto que se podría interpretar, pero ya se llamaría de otra forma, mejor dicho, de otra de las tantas utilidades que le aportan a una banda en especial el gran profesional de los tambores y sonidos percutivos. Daremos pues, un repaso por las partes principales que tiene este llamado Drum-Set.

Profesor gritándole al alumno de percusión para que acelere el tempo escena de Whiplash
Whiplash

La caja

El mayor conocido como tambor o tamborín. Perteneciente a la familia de los membranófonos, y de poca altura al menos usualmente. A diferencia de los que citaremos a continuación, este tiene un timbre un poco mas agudo y característico, debido a la estructura de su parche y la composición de la madera. Aparte claro, que las pulgadas que conforman su diámetro son un poco mayormente grandes, que  el juego de los otros dos.

En la antigüedad, se usaban parches de pieles de animales, pero al ser tan variables en esencia la sensibilidad a la presión, humedad y temperatura, además que tengan que ser cambiados con mayor frecuencia, porque requieren un trato muy dedicado, se encontró otro tipo de materiales, como el acrílico que es la composición de la mayoría en la actualidad, y que se introdujo hacia la década de los 50 con una gran aceptación por parte de público e interpretes.

Sin embargo, estos parches de cuero siguen siendo utilizados, pero por tambores tradicionales y propios de culturas que preservan su folclor, aunque están al tanto del extremo cuidado que requiere un parche de piel de animal, conciben esto como parte del trabajo y del ritual para llegar a una finalidad.

Los tom

Estos completan el juego de tambores pequeños, y son 3; dos sobre el pad del bombo, y otro en el piso al lado opuesto de la caja, el mejor llamado tambora de piso (Goliat). Cada uno tiene diferentes pulgadas de diámetro en sus medidas, y por supuesto un tamaño del parche:

  • El tom tiene doble parche usualmente se coloca sobre el piso sostenido de tres patas. Es el que contiene un ruido grave y sus medidas comunes son 14*14
  • Los tom-toms, o mejor llamados toms de aire. Son los que se posan encima del bombo, y se ofrecen en diferentes medidas: 8, 10, 12, 14 y 16.

Cabe resaltar que ni en el caso de los toms de aire o los de piso, hay medidas estándar como tal; aparte que son personalizables, se han adaptado a un sin fin de géneros musicales al igual que de interpretes.

El bombo

El bombo es una de las partes que se notan con mayor característica en los drum kits. Ya que es el elemento de mayor tamaño y visibilidad, se ubica en el piso y es el que sostiene el juego de tones. Suelen tener diámetros de 18" a 26", y se hace sonar con un pedal que se encuentra en la parte de abajo y que al accionarla con el pie, produce el sonido de mayor bajo.

para algunos interpretes profesionales, en especial del Heavy, o de géneros que desean profundizar en la velocidad y virtuosismo, se utilizan dos pedales, a fin de conseguir un sonido de mayor potencia y robustez, dándole unas matices diferentes y complejas a la pieza que se interpreta.

Los platos

Son aquellos accesorios que se soportan por bases, y que al accionarlos bien sea por medio de los pies o por el golpe de la baqueta, producen una serie de tesituras que brindan amalgamas y diversidad a la expresión del tema musical. Son imprescindibles para el ejercicio de la interpretación, ya que permiten el gran juego de matices y le brindan a la pieza esa chispa que hace que entremos en la atmosfera sintiendo la intención de las partes de la canción que se quieren enfatizar. Por supuesto que, cada uno de los platos que se usan tiene su nombre, mencionaremos los básicos pero has de saber, que se han ideado un montón de acuerdo a las necesidades, gustos y exploraciones musicales de los interpretes y sus intenciones, experimentando en tamaños, orificios, clases de sonidos, ángulos, dimensiones y por supuesto, materiales.

El crash o remate

Platos de 12" a 22", que como su nombre lo indica, son usados en especial para rematar, lo que quiere decir, hacer énfasis en algunas secciones para agregar a ciertas partes.

El ride o ritmos

De los básicos, tal vez los de mayor tamaño el cual varia entre 14" y 24" aunque algunas marcas los ofrecen hasta de 32" suelen llevar los ritmos en sustitución al hi hat, con el fin de darle otra intención a la pieza.

El splash

Es el plato pequeño, de 5" a 13", se usa para pasajes muy específicos, en especial aquellos de intensidad reducida.

El china

Normalmente de 18" a 22" son aquellos platos que dan la sensación de estar puestos al revés. Tienen similitud en la magnitud con el crash, aunque la diferencia, es que el plato china consigue una sensación de ruido seco al ser golpeado.

El crash ride

Plato mediano, de 18" a 22", y básicamente es un intento de hibrido entre esos dos platos básicos aunque buscando una potencia un tanto intermedia.

El hi - hat o charles

Estos son un par de platos, conocidos como charles. Un sistema completo compuesto por una base y palanca que al accionarlo, produce el sonido haciendo que estos dos platos suenen, al caer el uno sobre el otro. Comúnmente con dimensiones de 14" y 15". Este pedal permite que se toquen abiertos, o cerrados, dependiendo la intención que se quiere lograr y lo que el tema va pidiendo al interprete. Al tenerlos cerrados, se suele usar, para hacer el ritmo y son fundamentales para llevar la canción sonando y soportar el piso armónico que proponen los bajos. Al usarse abiertos, proporcionan un modulo agudo y magno en especial, al chocar el uno con el otro.

Existen otros platos de efectos especiales:

  • Los bell conocidos y apetecidos por su efecto de campana
  • Los cup
  • Los chime muy cóncavos
  • Los chopper compuestos por tres discos de bronce, con acabados especiales
  • Los spiral que se despliegan como cable de teléfono al rededor de la base
  • Los trash normalmente agujerados
  • Algunos intrépidos utilizan el Gong japonés, de carácter no tan funcional sino decorativo, pero en ocasiones se ha llegado a ver gongs de hasta las 80"
Varios platillos en estantería de tienda
Para todos los gustos

Las baquetas

A partir de aquí, por si no lo sabias, ya esos palos son los que se golpean el drum-set no se llaman palos, se llaman baquetas ya conoces como es su nombre. Tienen diferentes composiciones, materiales, (aunque en su mayoría son de madera, se les conoce de plástico y incluso de metal), y por supuesto de formas, Y no son iguales, una baqueta suele ser de mayor tamaño, aunque por poco y de mayor peso.

  • Punta de madera
  • Punta de nailon
  • Escobillas, un peine de cerdas en sus extremos con la idea de golpear moderadamente.

Los drum kits electrónicos

eso es a lo que nos ha llevado tanta evolución, los sonidos de la percu, al igual que los demás se han simulado de manera electrónica, como la guitarra, el piano, y muchos otros. Las opiniones son variadas por supuesto, tienen detractores y promotores, posturas positivas y negativas. hay quienes defienden que no es posible imitar fielmente los sonidos que produce la fabricación en madera, que el tono ni siquiera es el mismo, y que estos aparatos electrónicos generalmente fabricados en plástico, y con unos sonidos muy MIDI aún, nunca van a proporcionar la misma experiencia interpretativa.

La percu si se afina, pese a que creas que no se necesita o lo que se perciba, existe una llave muy pequeña, que funciona para ajustar cada uno de los tambores que la compone. En géneros como el de big band, las percusiones necesitan una afinación especifica que va general mente por el tono de Bb o Si bemol, para no estrellarse con la orquestación.

En cualquier caso, si deseas iniciar tus clases, puedes hacerlo en este mismo momento, si vives en apartamento, y crees que el ruido de la percu va a molestar a los demás, una electrónica es la opción ideal, ya que suena al nivel que le amplifiques, y si no deseas molestar a nadie, simplemente usa audífonos, y de esta forma, podrás completar los ejercicios del Carmine Appice en tu curso de bateria cali de acuerdo a las lecciones del profesor que consigas de Superprof, plataforma en la que puedes encontrar a los mejores profesionales para que te instruyan en el género y forma de tu preferencia, aprovecha y conviértete en un as de la percu.

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Alexandre